Vagabond Shoes
Commissaire : Benjamin Klein
McBride Contemporain a le plaisir de présenter Vagabond Shoes, la plus récente itération de notre série d’expositions estivales mettant en vedette le travail d’artistes vivant et travaillant à New York. Celle-ci rassemble les œuvres de neuf artistes et met en valeur certains styles, tendances et courants qui influencent actuellement les galeries et les centres d'artistes au cœur de ce qui est encore aujourd’hui considérée comme la capitale mondiale de l'art contemporain. En se concentrant sur des pratiques individuelles, Vagabond Shoes cherche non seulement à montrer ce qui est exposé présentement à New York, mais aussi ce qui se profile à l’horizon.
Lauren Clay crée des œuvres qui se situent à l'intersection de la peinture et la sculpture, ces dernières s'installant sur le mur comme des tableaux, mais interagissant également comme des objets très particuliers. Les images qu’elle utilise, et l’atmosphère qui s’en dégage, nous plongent dans un royaume numineux de possibilités spirituelles et d'exubérance ludique.
Lauren Comito est une peintre qui explore un langage pictural à la fois ludique et hautement réfléchi. D’une technique impeccable, ses peintures, étranges et magnifiques, jouent avec notre perception de la figure et du fond, d’où émergent ses personnages. Ces œuvres explorent des univers symboliques empreints d'une ambiance sombre, amusante et captivante aux multiples possibilités.
Les peintures de Nicholas Moenich nous invitent au cœur d’un monde non-euclidien, empli d’abstractions géométriques, de réseaux neuronaux possibles et de fragments d'imagerie et de design. En combinant des sources DIY et punk à des concepts modernistes liés au futurisme et au surréalisme, ses œuvres se lisent comme des utopies et des dystopies, à la fois lieux et objets, mêlant réalité et illusion.
Les peintures visuellement saisissantes de Lucas Moran représentant des arbres observés depuis le sol, à partir d'angles de vue extrêmement raccourcis. Celles-ci peuvent être interprétées autant comme des abstractions all-over, telles des vignes ou des études formalistes de figure et de fond, que comme des paysages. Les couleurs naturalistes semblent intensifier le ciel électrique et la présence imposante des arbres dans ces œuvres captivantes, à la fois symboliques et réalistes.
La pratique artistique d’Opal Mae Ong est toujours reconnaissable, techniquement délibérée et d'une finition impeccable, mais aucune image de son corpus, que ce soit en peinture ou en dessin, ne semble se répéter. Le dessin présenté dans cette exposition met en scène une gamme complexe d'émotions et d'idées sur le deuil sous une forme dramatique. Il évoque une multitude de représentations de la mort issues du monde entier, tout en conservant une interprétation unique et sincère d'une émotion profondément humaine.
Les sculptures d'Eun-Ha Paek proposent un univers de personnages et d'objets qui semblent à la frontière du préternaturel, suggérant un monde potentiel en elles-mêmes. En explorant une multitude de contenus symboliques, allant du menaçant au potentiellement tragique, de la perte et de la solitude au loufoque, du ridicule à l'ironique, ses œuvres se distinguent par leur présentation particulièrement raffinée et, malgré leur petite taille, par leur impact considérable.
Les peintures abstraites de Peter Park, de taille discrète, utilisent un langage formel apparemment simple pour explorer une gamme complexe et profonde d'engagements émotionnels et d'activités picturales. À la fois expérimentales et méticuleusement élaborées, elles réinterprètent subtilement les conventions et explorent les possibilités de ce que peut être et accomplir une peinture abstraite.
Les peintures abstraites sur tissu de Zuriel Waters allient une précision technique rigoureuse à une espièglerie joyeuse, offrant une approche étonnamment charmante pour obtenir un résultat formel sophistiqué. Sa palette de couleurs est audacieuse, parfois éclatante, mais aussi douce et profondément ressentie. Ces œuvres assemblent bien plus que leurs simples supports en tissu ; elles marient des pratiques sculpturales et picturales, ainsi que des approches géométriques et hard-edge à une imagerie ésotérique, offrant un résultat unique.
Jess Willa Wheaton aborde le collage avec une technique et une approche d'une simplicité désarmante, mais le fait avec une attention particulière à chaque détail, offrant ainsi une expérience intense et délicieuse au spectateur. Ces images composites fusionnent création et recréation, offrant un regard sur le monde naturel, les sphères humaines, l'image photographique et l’acte de création d'images en soi.
